Каталог :: Искусство и культура

Реферат: Поп-Арт

                                      План:                                      
1.    Введение
2.    История зарождения
3.    Признаки стиля
4.    Творчество Р. Раушенберга
Введение.
ПОП-АРТ (англ pop art, от popular art общедоступное искусство) — направление,
сложившееся сначала в модернистском изобразительном искусстве, а затем в
различных сферах массовой культуры XX в. Поп-арт возник в 50-х годах XX в в
США и Великобритании и окончательно отвоевал себе «место под солнцем» на
международной выставке в Венеции (1964 г.), одержав победу над
абстракционизмом. Главную премию получил тогда американский художник Р
Раушенберг за «предметную компиляцию» составленную из сочетаний пестрых
открыток и обрывка плаката, вырезок из иллюстрированных журналов и фотографии
убитого президента Дж Кеннеди. Представители поп-арта в лице Р. Раушенберга
предложили зрителю искусство, оперирующее привычными предметами, которые,
будучи вырваны из обычных связей с окружающими объектами, предстали в
случайных, парадоксальных сочетаниях. «Новая предметность», которую в начале
XX в. утверждал кубизм, возвратилась в предметных компиляциях поп-арта.
Обратившись к миру вещей, созданных массовым промышленным производством, поп-
арт быстро вошел в сферу современной массовой культуры и соединился с
рекламой, дизайном, оформительским искусством. Англ. pop art, сокращение от
popular art - популярное, общедоступное искусство, термин объясняется также
значением звукоподражательного английского "pop" - отрывистый удар, хлопок,
шлепок, то есть как искусство, производящее шокирующий эффект).
Неоавангардистское направление в американском и эападно-европейском искусстве
конца 1950-60-х гг. Поп-арт возник как своеобразная реакция на засилье
абстрактного искусства с его полным отрывом от реальности и как продолжение в
условиях тотальной индустриальной цивилизации экстравагантных опытов дадаизма
и сюрреализма 20-х гг.
Получил распространение прежде всего в искусстве США (Р. Раушенберг, К.
Олденберг, Р. Лихтенстайн, Дж. Розенквист, Дж. Дайн, Э. Уорхол), а затем
Великобритании (П. Блейк, Р. Хамилтон), Франции (А. Фернандес; Н. де Сен-
Фаль), Германии (П. Вундерлих) и других стран. Своими целями представители
Поп-арта провозгласили "возвращение к реальности", раскрытие эстетической
ценности образцов массовой продукции. Они буквально воспроизводят типичные
предметы современного урбанизированного быта (вещи домашнего обихода,
упаковка товаров, детали машин и т. д.), широко пользуются привычным языком
средств информации (штампованные приёмы рекламы, прессы, телевидения, кино,
документальной фотографии, комиксов и т. д.). Однако несмотря на многообразие
образных ассоциаций, вызываемых у зрителя произведениями Поп-арта, их
кажущуюся злободневность, они отчуждены от подлинной реальности: яркие
зрительные эффекты (достигаемые с помощью новейших искусственных материалов и
сложных технических приёмов) заглушают сквозящие в них ноты иронии, неприятия
господствующего в обществе "потребления ради потребления".
История зарождения.
После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой
людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им
не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi's
джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или
другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою.
Ток формировалась массовая культура. Вещи становились символами,
стереотипами. Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы.
Множество создателей поп исскуства используют творческие методы, пришедшие из
дадаистских экспериментов (общество "Dada"), когда форма не моделирована из
материала, но составленна из искуственных обьектов. Так ассамбляж стал
трамплином для многогранного мышления, которое становятся всё важнее для
художника - для искусства окружающей среды и хепеннинга. Он так же ведёт и к
новым формам реализации творчества: объединение пространственных обьектов, в
которое может воити и сам зритель - в инсталяции. Поп исскуство так же имело
влияние и для искусства среды без хеппенинга. Художники вступали в
эксперименты с реальными объектами.
Уже абстрактный экспрессионизм противоречил идее произведения искусства, как
законченного объекта. Хотя его представители не стремились превратить
живопись в публичную акцию и сам живописец был зрителем своих действий,
публике было предложено в мыслях воссоздать то, как работа получала форму.
Другой шаг - переход к действию который был бы не только частью творческого
процесса, но и частью самого творчества. Это воплощено в хеппенинге-
переходит к пустому действию, которое становится частью художественного
действия. Первооткрывателем этого считался Ив Клейн. Именно он взялся за
нетрадиционные образы искусства. Действуя под влиянием стихий созданные
работы он назвал "космогонией". В 1960 в галерее искусства в Париже, для
музыкантов, играющих различные произведения, он создал картины "живой
кисточкой"- покрашенными в голубой цвет обнажёнными моделями. Они прижимаются
к полотнам всем телом оставляя отпечаток. Эти действия поражали зрителей. Им
было показанно прямое действие, вернее множество происходящих дейсвий без
комментария, логики. И действующий человек, и предмет, и сам зритель- это
художественная совокупность одинаковых действий. Такие акции не были пригодны
для галерей, музеев, они воплощали художественные и интеллектуальные
настроения того времени. Классики хеппенинского поп исскуства также как Диво
"Аварии" или Ольденбурга "Магазинные дни", происходили в создании среды самих
художников. Художественной среды ощущения хепининг выплёскивает в ситуацию, в
которой значатся звуки, жесты, ощущения и даже запахи. Зрителю не
предоставлялась никакой схемы сюжета и понять ощущения было заботай его
самого. В Европе авторами хеппенинга были В. Фостел с Й. Бойк. Англичане
Гелберт и Георг прославились своим произведением "Поющая скульптура"- оба
участника с позолоченными лицими стояли на возвышении и имитировали песню. Их
задачей было выразить идею стиля и стилизации. Они представили себя как живую
скульптуру, таким образом в подтексте было ясно: всё, что они делали, должно
было быть принято как искусство.
Новую волну течений возглавил  поп-арт (популярное искусство, точнее
«ширпотреб-искусство»), который зародился в США. Роберт Раушенберг, Джеймс
Розенквист, Рой Лихтенберг, Джеспер Джонс. Эндри Уорхол распространили это
направление во многих странах мира. С поп-артом в музейные и выставочные залы
хлынуло то, что искусством не признавалось и было областью «массовой
культуры» низшего разбора,- рекламные плакаты  и этикетки, муляжи и манекены,
увеличенные репродукции и комиксы, а кроме того наборы любыз предметов,
попавшихся под руку, - одеяла и консервные банки, разбитые часы и
раскрашенные чучела.
Признаки стиля
Поп искусство (поп-арт) воплотило в себе творческие искания новых
американцев, которые опирались на творческие принципы Дюшана. Это: Джаспер
Джонс, К. Олденбург, Энди Уорхол, и другие. Поп исскуство получает значение
массовой культуры, поэтому неудивительно, что оно сформировалось и стало
течением исскуства в Америке. Их единомышленники: Гамельтон Р, Тон Китай в
качестве авторитета выбрали Курта Швитерса. Поп исскуству свойственно
произведение - иллюзия игры, объясняющая суть объекта. Пример: пирог К.
Олденбурга, изображенный различными вариантами. Художник может не изобразить
пирог, а рассеять иллюзии, показать, что человек видит по-настоящему.
Р.Раушенберг также своеобразен: он  приклеивал к полотну разные фотографии,
их обрисовывал и к работе приделывал какое-нибудь чучело. Одна из известных
его работ_ чучело ежа. Также хорошо известна его живопись, где он использовал
фотографии Кенеди. Можно считать, что  произведения Р. Раушенберга довольно
политизированы, но это не меняет их значения. Его искусство очень
внушительное. Д.Джонс, один из первых художников использовавший для сюжета
картины Государственный символ - флаг, работа "Флаг". На ней точно изображён
флаг США и только. Позже создал работу "три флага" здесь изображены три флага
США, находящиеся один на другом. Р. Лихтенштейн- это один из весёлых
художников. Для своих сюжетов он использует картинки комиксов. Как и
предположение взятое из контекста, так и эти картинки кажутся не особенно
умными. Но в них художник говорит о любви, человеческих отношениях. Выполнив
работы тонами одного цвета художник укрепляет иллюзию, что бы это возвысило
рисунок. Подобно ему работал и Е. Вархоп, его композициях многочисленные
повторения изображений жестяных бутылок COCA COLA, портреты Элвиса Пресли.
Таким образом, он обратил внимание на сформировавшиеся стереотипы и символы.
В своих произведения он использует символ демократии - Coca cola или М. Монро
- символ сексуальности и красоты. Такие работы выполненные в стиле поп
искусства, понятны людям. Поп искусство балансирует на грани абсурда и
иронии.
Сформировавшаяся ветвь поп искусства: гиперреализм - направление
постмодернизма,  целенаправленно на фотогрофическое воспроизведение банальной
ежедневности.
После господства абстракции искусство  перестало чуждаться жизни и
злободневности, привлекалось все, что может возбудить интерес, - атомная
бомба и массовые психозы, портреты политических деятелей и кинозвезд,
политика на равне с эротикой.
Выставочные залы Европы и США стали похожи на выставки поделок самодеятельных
кружков народных умельцев и изобретателей, ведь техника поп-арта была
исключительно разнообразна: живопись и коллаж, проецирование на полотно
фотографий и слайдов, опрыскивание с пульверизатора, комбинирование рисунка с
кусками предметов, и т.д.
Понятно, что критика относилась к такому искусству по разному, одни говорили
о вырождении искусства или, на худой конец, обновленной форме натурализма,
другие говорили о новом этапе в развитии искусства, называя  поп-арт «новым
реализмом» или «сверхреализмом».  Многие  отмечали  на Международных
эстетических конгрессах депрофессионализацию многих современных художников.
Демократизм  поп-арта критики отмечали в том , что зритель может стать героем
произведения , если он входит внутрь него, присаживается на нем отдохнуть или
видит свое отражение в зеркале, то есть принимает участие в той игре, которую
ему предлагают.
Поп-арт нужно принимать как реальность и отдать должное изобретательности
создателям произведений этого направления современного искусства, ведь для
создания конструкций использовались новые достижения науки и техники.
Искусство поп-арта тесно переплеталось с искусством торговой рекламы, ставшей
неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама броско и навязчиво
пропагандирует товарный стандарт. Как и в рекламе, главными сюжетами поп-арта
стали автомашины, холодильники пылесосы, фены, сосиски , мороженое, торты,
манекены и.д. Некоторые громкие имена художников помогали сбывать товар. Так
кумиром промышленников стал Энди Уорхол, поднявший изображение товаров до
уровня икон. Для создания своих картин Уорхол использовал консервные банки
бутылки кока-колы, потом и денежные купюры.
Подписанные им банки консервов раскупались моментально. Такое радение
торговцы щедро вознаграждали. Эндри Уорхен стал экспериментировать и в кино,
он отснял более 100 фильмов. Большинство многочасовых фильмов было не
возможно смотреть. Например фильм «Сон» длился более 6-ти часов. Был просто
снят спящий человек. .Зато в таком фильме из-за частой рекламы не потеряешь
нить происходящего, - замечал его создатель.
Мировую известность поп-арт приобрел в своем американском варианте, но
корнями течение уходит в деятельность художников, архитекторов и критиков
лондонской “Независимой группы” (Эдуардо Паолоцци, Уильям Тернбалл, Ричард
Гамильтон, Лоуренс Оллоуэй, Сэнди Уилсон и др.). В 1952 году эта группа
объединяется для обсуждения вопросов современной культуры, философии,
кибернетики, теории информации, масс-медиа (пресса радио, телевидение),
популярной музыки, кино и дизайна. Особо пристально рассматривалось все, что
было связано с массовой культурой –мода, американский вестерн, научная
фантастика, иллюстрированные журналы. Эта группа не испытывала типичного
отвращения интеллектуалов к коммерческой культуре. Напротив, ее потребляли с
энтузиазмом, принимая как факт. Вскоре появились работы, выражающие новую
художественную идеологию. Самая знаменитая – картина-коллаж Р.Гамильтона “Так
что же делает современные дома столь необычными, столь привлекательными?”,
впервые продемонстрированная в 1956 году на выставке под названием “Это –
завтра”. Данное произведение становится классическим, программным
произведением поп-арта. Оно представляет собой монтажное объединение вырезок
из “цветных” журналов. Интерьер дома среднего потребителя, который начинен
предметами комфорта с рекламных страниц: это и магнитофон, и телевизор,
естественно газета, на стене вместо картины увеличенный фрагмент комикса. За
окном, конечно же, виден кинотеатр. Центральная мужская фигура вырезана из
рекламы культуризма, обнаженная женская тоже явно из какого-то журнала. Образ
реального мира вытеснен скоплением фиктивных имиджей масс-культуры . Выбирая
метод коллажа, автор демонстрирует свою “непричастность” к созданному образу,
так как он сознательно фиксировал готовые изображения, не интерпретируя их.
“Готовые” изображения стали популярны в среде художников. Вскоре возникло
новое направление, яркими представителями которого в Англии были Э.Паолоцци,
Питер Блейк, Ричард Смит, Патрик Колфилд, Питер Филлипс,Аллен Джонс и
Джеральд Лэнг.
Тогда как в Англии поп-арт основывался на теоретических обсуждениях явлений
современной культуры, в Америке его двойник возник спонтанно под воздействием
внутренней ситуации в мире искусства. Американский поп-арт родился как
отрицание абстрактного экспрессионизма. В 1951 году была издана антология
дадаизма, вызвавшая к себе сильный интерес художников. Методы Дада – коллаж,
комбинирование реальных объектов на холсте, а также “реди-мейд” Дюшана стали
точкой отсчета в дальнейшем опредмечивании живописи и уничтожении границ
между искусством и реальностью. Основоположниками нового течения в
американском искусстве стали Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс. Раушенберг
создает так называемые “комбинированные картины”, сочетая вещественные
вставки с живописью в манере абстрактного экспрессионизма. Художники поп-арта
выражали типичные постмодернистские идеи: отсутствие личностного начала в
творчестве, сведение произведения к простой комбинации готовых элементов.
Таким образом, они пытались работать “в прорыве между жизнью и искусством”.
Поп-арт многое перенял от “живописи действия”, по крайней мере ее негативные
установки. Одним из произведений Раушенберга являлся рисунок абстракциониста
де Кунинга, стертый новоявленным автором.
Близким к поп-арту был гиперреализм (сверхреализм). Художники этого
направления старались сверхточно копировать действительность, пользуясь даже
муляжем. В изготовлении муляжей прославился скульптор модернист Дж. Сигал. Он
изобрел собственную технику изготовления копий живых людей. Сигал
забинтовывал людей широкими хирургическими бинтами. Придавая ему желаемую
позу. И заливал гипсом. Полученные фигура Сигал располагал на обычных
стульях, в кроватях, ваннах. Анемичность муляжей Сигала подчеркивает
беспомощность, бездейственность людей по отношению к внешнему миру.
     

Творчество Р. Раушенберга

Корифеем поп-арта был американец Роберт Раушенберг. На выставке в Нью-Йорке в 1963г. он рассказывал о создании своей первой картины «Постель». Он проснулся ранним майским утром, полный желания принятся за работу. Желание было, но не было холста. Пришлось пожертвовать стеганным одеялом – летом можно обойтись и без него. Попытка забрызгать одеяло краской не дала желаемого эффекта: сетчатый узор стеганного одеяла забирал краски. Пришлось жертвовать подушкой – она давала белую поверхность, необходимую для выделения цвета. Других задач художник перед собой не ставил. Работал в основном в технике коллажа и редимейда, продолжая традиции, идущие из искусства кубизма и творчества Марселя Дюшана. Составление произведения искусства из не имеющих друг к другу отношения элементов, одним из которых является краска, глубоко укоренилось в современном искусстве. Комбинации Раушенберга отражают темп развития и энергию массовой урбанистической и технократической культуры, в которой на смену работе художника на бумаге или холсте пришли потоки информации, передаваемой посредством фотографии, компьютеров, газет и т.п. Раушенберг родился 22 октября 1925 в Порт-Артуре (шт. Техас). Его отец работал на местной электростанции; семья принадлежала к фундаменталистской секте. По окончании средней школы Раушенберг обучался фармакологии в Остине (штат Техас), но уже в первом семестре бросил учебу, не прельстившись препарированием лягушек. Во время второй мировой войны Раушенберг служил братом милосердия в одной из клиник для душевнобольных. Учился в Художественном институте в Канзас-Сити, в Академии Жюлиана в Париже и в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине. В 1949 Раушенберг поселился в Нью-Йорке. В 1958 была организована его персональная выставка в галерее Кастелли, благодаря которой он стал известен; слава Раушенберга достигла апогея в 1977, когда он совершил турне по Америке со своей ретроспективной выставкой, открывшейся в Музее изящных искусств в Вашингтоне. Ранние работы Раушенберга были попыткой избавиться от стереотипов 'живописного метода' и возвышенных целей традиционного искусства. Например, он стер рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием Стертый де Кунинг. В течение 1950-х годов в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов - газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных - до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность. Две ключевые работы Раушенберга - коллажи Кровать (1955) и Монограмма (1955-1959). Первая из них представляла собой настоящую кровать Раушенберга, забрызганную краской и поставленную вертикально, как картина; второй коллаж был украшен чучелом ангорской козы. В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования современного индустриального общества. Постигать азы искусства Раушенберг начал в возрасте 21 года в Канзас-Сити. В 1947 он уехал в Париж, где познакомился с Сьюзен Вейлль и через три года вступил с нею в брак. Разочарованные стерильной атмосферой Французской Художественной академии, супруги отправились в 1948 в колледж Блэк-Маунтин (штат Южная Каролина), где в то время преподавал немецкий художник Йозеф Альберс. Здесь Раушенберг повстречался с хореографом Мерсом Каннингэмом и композитором Джоном Кейджем. Совместно с ними он принял участие в «Театральной пьесе» (1949) постановке для средств массовой информации с включением музыки, танца и изображений через диапроектор. Эта постановка стала предтечей появившихся позже так называемых «хэппенингов». С 1950 Раушенберг занимался оформлением витрин в Нью-Йорке. В 1951 в галерее Бетти Парсонс состоялась первая персональная выставка работ Раушенберга, на которой были продемонстрированы исключительно одноцветные картины. Критики дружно заявили об этой выставке как о провалившейся. Через год от Раушенберга ушла жена, не в силах более терпеть бисексуальной ориентации своего мужа. С 1953 Раушенберг продолжил сотрудничество с Каннингэмом и в течение последующих двенадцати лет создавал сценарии, костюмы и декорации для его балетной группы. 50-е годы: «Комбинированная живопись». В первой половине 50-х Раушенберг разработал стиль, типичный для направления поп-арт, используя в качестве художественного материала предметы повседневного быта. В рамках своих произведений «комбинированной живописи» он объединял предметы, хорошо известные американскому обществу из рекламы и средств массовой информации. Одной из наиболее известных картин такого рода (отмеченная влиянием дадаистов Марселя Дюшампа и Курта Швиттерса) была написанная в 1956 «Кровать»: на полотне большого формата Раушенберг представил свою кровать вместе с постельными принадлежностями. 1964: Прорыв на международный уровень. Впервые Раушенберг (в то время тесно подружившийся с художником Джеспером Джонсом) заставил заговорить о себе после выставки в нью-йоркской галерее Лео Кастелли (1958). В дальнейшем его творчество оказывало большое влияние на развитие поп-арта. В конце 50-х появились первые так называемые «переводные рисунки»: коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении. В замысел Раушенберга входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными элементами картин. Первый большой трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (например, парашютист, орел, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х. Одновременно Раушенберг (считавший себя художником-универсалом) экспериментировал с электроникой («Черный рынок», 1961) и занимался оформлением представлений совместно с коллегами-художниками. Прорыв на международный уровень произошел в 1964: Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Правда, такое решение жюри вызвало бурную реакцию ≈ Ватикан высказался об «упадке культуры»; и все же присуждение первого места представителю поп-арта окончательно утвердило официальное признание этого направления. Это признание выгодно сказалось и на доходах Раушенберга цены на его работы подскочили в несколько раз. 1966: Технические эксперименты. В 1966 Раушенберг совместно с инженером Билли Клювером основал общественное учреждение, в котором хотел объединить науку и искусство. Появившиеся вслед за этим работы художника отмечены влиянием технического направления среди них можно назвать так называемые револьверы, работы с вращающимися плексигласовыми стеклами. В 1969 Раушенберг по приглашению НАСА посетил Центр космических исследований Кеннеди и создал после этого обширную серию из тридцати трех литографий под общим названием «Окаменевшая Луна». Еще через год он основал благотворительное учреждение для неимущих художников и организовал дом- мастерскую на острове Каптива неподалеку от побережья Флориды. В 1976 во многих городах состоялись ретроспективы работ Раушенберга. В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов. Начиная с 80-х его работы уже не таят в себе никаких стилистических неожиданностей. Как правило, их центральным звеном являются стандартные ансамбли и трафареты, характеризующие американскую культуру. Сегодня 10 картин этого общепризнанного мэтра современного искусства экспонируются в Эрмитаже, будучи подаренными музею самим художником Дж. Розенквист. «Направляющее» Список использованной литературы 1. Толстой А Галактика поп-арта «Новая юность» 2001, №4(49) 2. Маковский С.: Силуэты американских художников. – М.:Республика, 1999.